国立国際美術館で開催されている「現代美術の皮膚」を鑑賞しました。

ブースごとに参加作家の作品が展示されています。
小谷元彦さんの"SP2 NEW BORN VIPER"がどのようなものかとっても気になっていましたが、真正面からだけでなく、後ろからみても見飽きない上質な抽象画のように感じました。
アルミの平面にハリネズミのような無数のとげが否応なく、痛みを感じさせます。
優雅なフォルム、有機的な曲線は鑑賞していて心地よいです。
細部の骨格の構造にも目を見張るものがありました。

たんなる骨のようなものが有機的なフォルムで表現されることで
実に生き生きとした生命を感じさせます。

命・・・、そう、今回の企画展示に共通するテーマとして、現代に生きる私たちの生命そのものが含まれているかと思います。
美術館側のガイダンスに記されている「内と外」というテーマはあくまでサブに過ぎないと思います。
ありとあらゆる命がテーマ。
そしてこのことは、倫理とも関わるやっかいな問題です。

オルランさんのドキュメント写真は一見「痛々しい」ものでした。
彼女は自身の整形手術を衛星などの伝達手段で多くの人たちにオペの過程を公開するというパフォーマンスを行なっています。

作家自身が医師に自身の皮膚を預け、皮膚の形状を変えるパフォーマンス。
これをすでに９回彼女は行なっています。

人の、精神・・・、容貌や容姿へのコンプレックスから、行なわれる整形手術。
皮膚への人の関心は、心や命の問題と切り離せられないものであることを、彼女の作品は突きつけます。

ヤン・ファーブル。彼は、昆虫たちを自身の作品に取り込み作品としています。
大量の昆虫たちの死骸の集積は確かに抗えない魅力があります。
これが虚無に通じる世界観であったとしても、不思議な印象が残ります。
彼の生きた土地が戦場であったと言う言説を抜きにして、現代を生きるということの意味を深く問いかけてくる作品として成功していると思います。

生命と芸術の関わりを強く意識させられる展示です。
シャーマニズムから芸術が生まれていく過程で生命はどのように扱われてきたのかを改めて考えさせられます。古代エジプトのミイラ、古墳、城門の壁への生柱。生け贄。
強烈な思想や為政者の願望から、人や動物の生命と引き換えに、多くのものが建設され、開発され、創造されてきた人類史。
生命の代償と引き換えにアートに献身するというのもひとつの方法論です。
しかし、今回の展示の全体の印象にも通じますがどこか、疑念が残ります。

自他、プロセスの違いはどうあれ、生命という事象に対して参加作家の大半がどこか無邪気すぎる気がしてなりません。率直にいえば、あまりに制作動機があさはかに感じます。
あまりに私小説的レベルに終始している。

それが、現代のシャーマン（アーティスト = シャーマン）の流行りなのか、と捉えることはできます。
技術はどの作家もすばらしいのです。
どこか虚無の傾向があり、作家自身が救済されるためのヨリシロとして作品が制作されたのではないか。
あるいは、カオスや混淆を押し広げるための儀式として、今回の展示を位置づけるべきなのかも知れません。

見方によっては、グロテスクでもあり、エロティックでもあります。
その中には、嗜好を超えて、それが残酷であれ非情であれ、美しいものがあります。
芸術がこれまでの歴史で人、動植物といったあらゆる生命に対してどのようなことを要請してきたのか。

今回の展示は私にそのことを再考させてくれました。
シャーマンの生命や倫理、美意識、欲望や願い。
現代美術の今後の行く末を考える意味でもとても参考になる展示だと思います。
つまり、今回の展示には確かに虚無の痕跡があるからです。

展覧会のポスターが目に留まりました。

そこには、風景がありました。
グレー調のくすんだ遠景に見える湖。

ダブルイメージが交錯する風景。

フィラデルフィア美術館展を
観ようと思ってたのですが

巨匠らの凡作よりもひとりの作家の軌跡をみてみたいと
思いました。

作品はさまざまな技術を用いて
画面の中でイメージを追求していくものでした。
それらはヨーロッパの古典絵画の影響下での方法論です。

初期のアンフォルメル作品などでのマチエールの追求は、
原風景を描いていく後期の作品にも確認できます。

人の居ない風景。
人の存在を剥ぎ取られた風景。

逆説的に、氏の描く風景には
人の不在、ディスコミュニケーション、ディタッチメントをあぶり出しています。

神無き時代に闇雲に
砂上を歩きながら
井戸の水を探し出すような仕事だと思います。

鑑賞者はこのように認識して差し支えないでしょう。

即ち、実際に氏が画面内の
階段を駆け上り
残骸をかき集め
千切れた布をまとめ
小さな生物たちの足取りを観察したのだと。

氏が自ら命を絶った今もなお
その原風景を絵という装置を通して
私たちは風景を目にすることができます。

ここで氏の心の変遷を追体験するだけではもったいない。

その装置をもって各々が
各々の風景をつかみにいけばいい、ということでしょうか。

なぜ、氏の絵画作品の多くが
モチーフに水を必要としているのでしょうか。


凡作も実際に多い。そう思います。
しかし、確かなことがひとつあります。

巨匠と言われる人たちには表現できない世界を
麻田浩氏は表現している（表現しようとしている）。
ということです。

風景は永遠に黙したまま。
誰にもさわれない風景なのかもしれません。

高木正勝さんのＤＶＤを鑑賞。
これまで美術館でしか観れてなかった作品も鑑賞できました。

ちょっと、内容がすごいことになってました。



女性の髪の間から、溢れるように、極彩色が画面中を乱舞していました。

大竹伸朗さんのペインティングのような色彩を感じる箇所もあれば
太陽の表面のうねるような炎にも見える場面もあります。

個々の色が、自分の意志で躍動してるような・・・



終盤の・・・、色と光が 女性の髪にダイナミックに変化していく場面は息をのみました。



絵の具をぶちまけたかのような一見、不秩序な色彩。
完全に作者の意思で自在に画面中を飛び交い、表現として成立しています。

途中、女性を演出するための、色彩なのだと気付きます。

自由自在な色ばかりに目を奪われますが、BLOOMY GIRLSこそが、この作品のいちばんのキモ、です。

プライスコレクションの日本での展示も終盤を迎えています。6月10日まで愛知県美術館で開催されています。
動植綵絵同様、ザ・プライス・コレクションの展示もしばらく行われないだろうと考えます。

まず、展覧会の印象です。
コレクションの内容がすばらしいということに尽きます。ジョー・プライスさんがアメリカの古美術店で「発見」した葡萄図、２時間、見ていても飽きません。
これは若沖初期頃の作品にあたるものですけど、まるで絵のなかの葡萄は今にも食べられそうなみずみずしさです。墨のグラデーションの幅だけで、彩り豊かな画面を作り出しています。とても大好きな作品です。

そして「鳥獣花木図屏風(ちょうじゅうかぼくずびょうぶ)」は様々な示唆を与えます。独創的なこの技法が江戸時代に試みられた事実。おそろしいことですね。
2007年現在の今個の作品を見てみてもとても独創的な技術です。
升目（ますめ）描きで点描の視覚効果とは似ても非なる、空間感をつくっています。近景〜中景の遠近がおもしろいのです。なんと言っても、写生のアプローチとその画面が濃密です。これに若沖の色彩感が加わるのですからたまらない。

明治維新後、日本の画家らが、西洋の絵画技法を貪欲に取り込んでいったのは善かれ悪しかれ周知の事実です。江戸期に若沖や抱一等の成した独自性がその後の日本の美術史の中に埋没していたことは残念で仕方ありません。
けして文化の混淆を避けるのではなく、素晴らしい伝統や慣習までも黙殺するべきではなかったのではないかと考えさせる作品です。
伝統とは何か、進歩とは？独自性とは？――鳥獣花木図屏風は、現代を生きるすべての人に様々な示唆を与えます。
クリエイターに限らず多くの人に、鳥獣花木図屏風で達成した若沖の軌跡は再考の価値があります。

他にも水墨画も展示しています。
若沖の軽やかな描線と、暴力的に感じられるくらいに簡略化された鶴や人のフォルム。
これはもうデフォルメなんて形容では済まされないものです。
まるでジョアン・ミロの絵画のようなシンフォニーを感じます。(ファンタジックな浮遊感でも共通する気がします)筋目の技法もあざといぐらい絶妙です。
第一級の抽象画のようです。

まだ観ていない人がいらっしゃったら是非観てほしいです。１８世紀の日本のなかで芸術の前衛として活躍してた若沖の絵画世界を堪能できる最後（当分しばらくの間）のチャンスですからね！
ジョー・プライスさんの展示灯の明滅する装置にも驚きます。本当に絵が好きな人が考えだせうる装置ですね。

前アップしたのと似たものです。

私はこのブログで、いろいろな人のアート作品について語ってます。
下のは、そんな人の撮ってきた映像です。編集なしです。



今回のは・・・、影のゆらぎです。
見え方が多重露光みたいになってて楽しいなと思います。

映画のようなストーリーは皆無です。単なる影です。


興味を持っていただけたらご覧下さいね。


※サーバーに大変負担がかかる仕様となっています。
また、QuickTime形式ですので、みるためにはQuickTime Playerが必要です （QuickTime Playerのインストールはこちらからできます）。


容量が重いので、見るまで随分待たされます。
忌憚ない批評、感想、印象などお伝えいただければうれしいです。

江戸絵画、浮世絵師の巨匠たち、北斎、写楽、歌麿などの展示が現在大阪市立美術館で行われています。

とくに、写楽の線の美しさを楽しむことができました。
河鍋暁斎（かわなべきょうさい）とエミール・ギメ氏との仏画を通した交流などを知ります。

展覧会自体は、江戸期の浮世絵をアーカイブ、俯瞰できるようになっています。

北斎の描いた龍図虎図の２つで対の作品というのは確かに真近でみても落款の位置、目線の一致など符合する点ばかりです。晩年の作ということか作品からは静けさのようなものを感じます。

ルーブル美術館の東洋部門の所蔵からフランス国立ギメ東洋美術館へ渡った経緯など、ルーヴル美術館の東洋美術コレクションが移管された経緯など興味深いです。
印象派の画家たちに浮世絵がどのように影響を与えたかを知る機会でもあります。

今回私の中で特に印象に残ったのは何と言っても、・・・、写楽でも北斎でも歌麿でもなく、河鍋暁斎の筋骨隆々な仏様の作品です。とても小さな作品で、歌麿のコーナーの展示会場出口付近にポツンと置いていますが、パワーに溢れています。
ひと昔前の若沖同様、河鍋暁斎の日本では正当に評価されていない印象を受けます。この件については、今後多くの美術研究者の尽力を期待したいものです。浮世絵に対する評価は未だに、パリで起きたジャポニスムという逆輸入からの価値観に依っているような気がしてなりません。
ですから、かりに凡作であっても、「浮世絵」というジャンルであればいいというものでもないような気がします。
印象派の作品へインスパイアを与えたという口実ですね。それだけの鑑賞では物足りないと思います。


今回のベストワークは、巨匠らの凡作ではなく、河鍋暁斎のエネルギッシュな作品だと感じました。


河鍋暁斎をご存知ないかたへ。ご参考にどうぞ。
http://www2.ocn.ne.jp/~kkkb/Kyousaij.html


雑誌のインタビュー（ＢＴ）で「河鍋暁斎がアツい」とおっしゃっていた松井冬子さんのことを思い出しました。

私はこのブログで、いろいろな人のアート作品について語ってます。
下のは、そんな人の撮ってきた映像です。編集なしです。



風と光の走り書きです。・・・、端的に言えば「影」です。

映画のようなストーリーは皆無です。ただの「影」。


興味を持っていただけたらご覧下さいね。


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容量が重いので、見るまで随分待たされます。
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若沖を日本の研究者、コレクターよりも先駆けて作品を評価し、世界中に作品を喧伝している国際的コレクタージョー・プライズさん。

今年春から京都嵯峨芸術大学の院の客員教授となりました。ジョー・プライスさんのコレクションは現在愛知県美術館で公開されています。六月十日まで、だったかと思います(まだ、観に行っていません)。動植綵絵は以前の文章に詳細を記しました。

若沖の作品を真っ先に評価したその先見性や美意識、ふだんの考えかたがどのようなものなのか知りたく思い、京都嵯峨芸を訪ねました。

冒頭、プライスさんの解説を交えながらの映像(翻訳字幕付)を鑑賞します。
とても凝ったつくりで、若沖の作品の真贋、独自性を解説し、水墨画のタッチ、升目の贅沢なアップを見せてくれました。
プライスさんの奥さんの解説と司会進行者のやり取りもありながら、話はまず現在行われている若沖展の動植綵絵に対する印象と見解、自然について、生け花と自然、自然光と人工光での作者の意図、コンピューターを使用した色彩研究などへと話は進みました。

京都ニュートロンでの展覧会が京都ニュートロンにて行われています。

ファミコンを小・中学校時代に遊んだ方には懐かしいものでしょう。或いはこの展覧会は現在のプレイステイションポウタブルやウイー等に慣れ親しんだ世代の人たちにとっては新鮮に映るものでしょう。

今回の林さんの手法は、実写の人物や、風景といった映像をパーツとして切り取り、映像の中に作家さんの意図に基づいて緻密に再構築するというものです。

若冲の最高傑作「動植綵絵」について

若沖の特別展示が京都相国寺の承天寺美術館で行われています。
現時点での、今年の希有な展覧会と言えるかと思います。
まず、動植採絵と仏絵の同時展示です！ひとつの空間の中に30点もの動植綵絵はー・・・圧巻でした。





見ている人はそれなりの数いたのですが、会場に入り若沖の動植綵絵を目にし・・・なんともいいようのない幸福感に包まれました。ちょっとした感動でしたし涙ぐみそうになりました。
動植綵絵はとても、素敵でした。３、４時間観ただけではとても物足りません。毎日ここへ通いたいほどです。

写生し、自分の内なるものへと消化し、表現することの喜びがそこにはありました。大典禅師の画材の援助があったと聞きます。

作品からは思わず唸ってしまうような色彩の鮮やかさ、若沖という画家のみずみずしいまでの感性、マティスのようなリズミカルなフォルムのリストラクチャー。
それら諸要素が渾然となって見る人を幸せな気持ちにします。

しかし、若沖の作品には、単に高品質な作品というだけではいい表せない謎めいたものがあります。

例えば老松白鳳図（ろうしょうはくほうず）のような幻想的な、ふわふわ浮遊しハートを観ていると、別の快楽的な世界に連れて行かれるような気分になります。
辻 惟雄氏が奇想の系譜で指摘していましたように、いくつかの画面には「丸」があります。鑑賞者を見つめ返しているような「丸」の多様−−、私はそこから暗示的なカメラアイを感じました。


以前も、ゆっくりこの若沖の絵の謎を考えてはみたのですけれども、これは未だに解けない謎の一つです。たしかなことは、「穴」の存在が鑑賞者と作品との距離を縮める効果を果たしていることです。なんとなく、絵の向こう側から誰かに見返されているような感覚があります。

若沖の感性は、ほんとうに死ぬまでみずみずしかったのだろうなと思います。

老松鸚鵡図という作品があります。ここから汲み取れるのは、二匹の鸚鵡を両親のイメージに重ね、後方の枝にとまっている補色のインコはどこかしら厭世的な雰囲気です。あたかもで若沖自身のメタファーのようです。そんなことを感じす。モチーフをシンボルとして自己内面を表現してしまうのも、当時の時代背景を考えてみても、奇抜で斬新な、興味深い若沖の特長です。

雪中鴛鴦図（せっちゅうえんおうず）を観ていると、ジャクソン・ポロックもびっくりのドリッピングも大胆でいて、鳥の描写は繊細です。ウォーリーをさがせ、に近い楽しみかたもできるのが、若沖の遊び心だとなと思い
ます。どこか、ブリューゲル（Pieter Brueghel the Elder）の「雪中の狩人（The Hunters in the Snow）」のような世界観に通じるものがあります。

釈迦三尊像が会場の真ん前に据えられています。

祈り。若沖のぎこちなく、畏まった筆跡からそういったものを感じられました。
線の一本、一本を祈りながら、描いたような気がします。実際にそうでしょう。

初期の作品もよかったです。動植綵絵とは違い、鮮烈な色彩はまだ見受けられませんが若沖らしさはこのころから、絵の中に溢れています。
左右梅図の機知に富んだ画面構成は見事ですし、立鶴図の大胆簡潔な鶴の描写にはシビれます。
葡萄をモチーフとした鹿苑寺大書院障壁の水墨画も春先に庭が目の前に広がっているかのような爽快感がありました。

若沖の作品をみていていつも不思議なのは、こんなにも斬新で、新鮮な瑞々しい気持ちになることです。江戸時代の日本画のなかにあって、やはり若沖の描いた世界は異質です。とても現代につくられた作品ではないかというような新鮮さに溢れています。

初期作のなかで一番好きな作品は伏見人形図です。
奇才の手慰みといいますか、なんだか奈良美智さんの作品を横において一緒に鑑賞したいなと感じました。

世界初公開となるオリジナル原画、「実業屋」を観ることができました。
会場では、作品のコンセプトをくみ取り、象徴的なメタファーとそれの持つ意味の解釈をいくつか紹介しています。サン＝テグジュペリさんの原画での下絵、キャラクターの推敲を目にすることができました。また、サン＝テグジュペリさんのドローイングのなかのひとつで印象的だったのが、王子さまと悪魔と燃えている幾棟もの家々。熾烈な戦争へ突入しつつあった当時の世相と、作者の心のありようを感じずにはいれませんでした。

今回の展示で改めてフランスの版元とアメリカのレイナル＆ヒッチコック社との仕上がりの違いを感じました。サン＝テグジュペリさんの落書きを見て出版を勧めた夫人も素晴らしいと思います。

会場内には、宮崎あおいさん出演のミュージカル 星の王子さまのDVDもしっかりミュージアムショップにおいてありました。今回、とくにほしぃぃい！と悩んで仕方なかったグッズがありました。

あの、「うわばみ」のぬいぐるみです。そう、へびです。
そうです。あのうわばみ（ヘビのことです、フランス語原文でもヘビの婉曲的表現となっているとのこと）が、象を丸ごと飲み込んだ、うわばみのぬいぐるみが置いてありました。もしかして・・・、いや、たぶんと思い、うわばみのお腹の部分についたジッパーを開けてみると、中には小さい小さい象が食べられた状態で入っていました。作品の世界観そのままに、象が入っていました。アレは素敵でした。

あと、今回の展示でサン＝テグジュペリさんがエールフランスに関わっていたとはちょっと知りませんでした。